Tableau Ancien avec Sujét Historique Huile sur Toile '600-'700

Tableau Ancien Sujét Historique Huile sur Toile XVIIe-XVIIIe Siècle

Huile sur toile. La femme représentée dans la scène remonte à Portia, la noble romaine épouse de Brutus, qui vécut au Ier siècle avant JC : selon la légende, elle se suicida en avalant un charbon brûlant, et c'est à ce moment fatidique qu'elle fut tuée. représenté ici. Le tableau est très proche des méthodes picturales du tableau du même nom de l'école Cignani, attribué à son élève Marcantonio Franceschini et conservé au Palazzo Tozzoni à Imola. La figure de Portia, placée dans un intérieur aux éléments classiques, occupe tout le champ de la scène, et est représentée assise devant le brasier allumé, en train de mettre du charbon dans sa bouche ; son expression révèle la souffrance du geste qu'elle pose, mais aussi sa détermination, le regard qui regarde au loin la place déjà loin de la vie qu'elle quitte. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre ancien du 18ème siècle.

Tableau Ancien Michiel Caree Huile sur Toile Paysage du XVIIIe Siècle

Paysage avec Bergers et Troupeaux

Huile sur toile. Signé en bas à droite. Dans un splendide paysage classique, avec des collines verdoyantes surplombant un cours d'eau, un ruisseau au premier plan qui devient ensuite une large rivière au loin, se trouvent les figures d'un berger et d'une bergère emmenant leur troupeau à l'eau. Les scènes pastorales de ce type caractérisent la production de l'artiste hollandais Michiel Carree, peintre de la cour du roi de Prusse dans les premières décennies du XVIIIe siècle. Le tableau, sur première toile, est présenté dans un cadre doré contemporain, en bois sculpté et doré.

Tableau Ancien Sujét Historique Huile sur Toile XVIIe Siècle

Huile sur toile. École romaine de la seconde moitié du XVIIe siècle. La scène raconte un épisode de l'histoire d'amour entre la reine d'Egypte et le triumvir romain Antoine : Cléopâtre, pour démontrer sa richesse et séduire le beau général, organise un somptueux banquet, au cours duquel elle choisit une perle d'une valeur inestimable et il se dissout. le dans du vinaigre, puis en offrant la boisson, considérée comme un puissant aphrodisiaque, à Antonio. Dans le tableau, la reine s'apprête à mettre la perle dans la coupe : le ruban auquel la perle est attachée est particulier, rappelant celui du tableau du même nom de Carlo Maratta (1625 -1713). Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre en bois de la fin du XIXème siècle.

Sujet Mythologique Huile sur Toile Italie XVII Siècle

Le Conte d'Apollon et de Marsyas

Huile sur toile. Ecole italienne du nord du XVIIe siècle. La grande toile dérive d'une gravure de 1562 du Vénitien Giulio Sanuto, qui a fidèlement reproduit l'œuvre homonyme de Bronzino (1503-1572), actuellement conservée à l'Ermitage ; par rapport à l'original, la gravure ajoute le groupe des Muses et modifie le fond du paysage en introduisant des vues de villages. L'œuvre est divisée en quatre scènes, qui doivent être lues de droite à gauche. La première scène représente le concours musical entre Apollon et le Silène Marsyas, qui jouait si bien de la flûte qu'il était considéré comme supérieur au même dieu ; les deux prétendants se produisent, le dieu avec la lyre et le silène avec la flûte même à l'envers (pour augmenter la difficulté de l'entreprise), devant le roi Midas et la déesse Minerve, reconnaissable à ses attributs, le casque, la lance et le bouclier. Dans la deuxième scène, Apollon a l'intention d'écorcher Marsyas, pour le punir d'avoir remporté le concours musical; s'appuyer sur le sol à côté de lui, son manteau et sa lyre. Dans la troisième scène, c'est le roi Midas qui est puni par le dieu pour lui avoir préféré Marsyas : Apollon met les oreilles de l'âne sur Midas, tandis que Minerve regarde. Enfin, la quatrième scène, au premier plan à gauche, est caractérisée par une figure particulière, identifiée chez le fidèle serviteur et barbier du roi : puisque Midas lui avait ordonné de garder le secret sur ses oreilles d'âne, ne pouvant laisser à bout de souffle sinon, il a creusé un trou dans le sol et y a crié son secret ; à cet endroit, cependant, la légende raconte qu'un buisson de roseaux a poussé qui, avec le vent, a murmuré "Le roi Midas a des oreilles d'âne", révélant ainsi le secret redouté. La peinture a été précédemment restaurée et regarnie, mais nécessite actuellement une récupération de couleur supplémentaire. Au dos au crayon il y a une ancienne attribution à l'école de Ferrara ("Ercole da Ferrara"). Il est présenté dans un cadre de style fin XIXème.

Tableau Ancien Sujét Sacré Huile sur Toile XVIIIe Siècle

Huile sur toile. Le tableau s'inspire de l'œuvre similaire de Paolo Véronèse (1528-1588), datant d'environ 1560-70 et aujourd'hui conservée au musée du Prado, dont notre tableau reprend la composition des personnages, en changeant tout le fond et les vêtements. des personnages. L'œuvre de Véronèse connut un tel succès qu'elle fut reproduite par son propre atelier, avec de nombreuses variantes : notre œuvre dérive probablement d'une de ces copies, répliquée plus tard. L'épisode représenté est raconté dans le livre biblique de l'Exode et raconte la découverte du petit Moïse, laissé par sa mère dans un panier au bord du Nil, pour le sauver du massacre des enfants d'Israël perpétré par Pharaon ; La fille du Pharaon, partie au fleuve avec sa suite, le retrouve et le sauve en l'adoptant. Les personnages de la scène sont représentés dans des vêtements du XVIIIe siècle, en particulier la robe de la princesse se distingue par sa richesse et sa somptuosité ; le seul élément exotique est la présence d'un serviteur noir dans la suite, tandis que l'arrière-plan fait également référence à un paysage du nord de l'Europe, avec une épaisse végétation boisée. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre du XIe siècle.

Portrait de Femme au Manchon XVIIIe Siècle

Peinture à l'huile sur toile. Ecole vénitienne du XVIIIe siècle. Le portrait propose la figure d'une jeune femme vêtue d'une robe de tous les jours, mais agrémentée de bords de fourrure tachetée ; curieusement, avec le bras levé, elle exhibe un manchon de fourrure replié sur une main, probablement une habitude pour souligner une mode de l'époque. Le tableau présente des signes de restauration, avec conservation de la toile d'origine, bien que remonté sur un châssis neuf. Il est présenté dans un cadre ovale contemporain, mais surmonté d'une frise en bois ajoutée ultérieurement.

Tableau Ancien Sujét Sacré Huile sur Toile XVIIe Siècle

Peinture à l'huile sur toile. École centrale italienne du XVIIe siècle. Selon la tradition iconographique, également dans ce tableau, l'ange gardien est représenté comme un jeune homme ailé qui accompagne un enfant le long d'un tronçon de route, indiquant le ciel comme destination du voyage. Le personnage ailé se détache et domine la scène, vif par ses couleurs, puissant par la force physique qu'il dégage, quoique doux dans son attitude délicatement protectrice envers l'enfant, dont le petit personnage est enveloppé dans les membres de son tuteur. La scène est enfermée dans une guirlande de fleurs vives et colorées, qui donnent de la couleur aux personnages, par ailleurs placés dans un paysage sombre et presque monochrome. La représentation de personnages, principalement religieux, enfermés dans des cadres floraux, a connu un grand développement surtout à Rome, liée à des noms tels que Giovanni Stanchi (1608 -1675), plutôt que Mario Nuzzi dit Mario de' Fiori (1603 -1673), et d'autres. . Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre en bande.

Tableau Ancien avec Sujét Sacré Huile sur Toile XVIIIe Siècle

Peinture à l'huile sur toile. École centrale italienne du XVIIe siècle. Dans son style pictural, le tableau rappelle la production d'Angelo Caroselli (1585-1652), artiste baroque romain qui fut peintre, copiste, restaurateur, mais aussi pasticheur et connaisseur d'art, c'est-à-dire créateur de peintures « à la manière de " - dans la "technique"et dans le "style" d'une époque artistique spécifique ou d'un auteur spécifique, voire en assemblant des "parties" tirées de différents tableaux. Initialement caravagesque, Il Caroselli a ensuite développé son propre langage artistique personnel, copié par de nombreux artistes mineurs. Dans cette œuvre se distingue l'expressivité figée et presque exaspérée du personnage, dont l'élégance de la tenue vestimentaire du XVIIe siècle et les traits presque féminins du visage au teint rose contrastent avec la grossièreté de la tête de Goliath, ensanglantée, avec le grand coup de couteau. qui tranche sur la pâleur mortelle. Le tableau a été restauré et regarni, en conservant le cadre en bois d'origine. Il est présenté dans un cadre en bois contemporain.

Tableau Ancien avec Nature Morte Huile sur Toile XVIIe Siècle

Peinture à l'huile sur toile. École italienne du XVIIe-XVIIIe siècle. Une grande composition de fleurs colorées, dans des vases en métal repoussé, et quelques fruits éparpillés au sol, sont placés près d'un mur surplombant un paysage maritime : l'éclat du ciel et de la mer à droite contraste avec la zone ombrée à gauche, sur lequel ressortent les couleurs des fleurs. Le tableau, rentoilé et restauré, présente une fissure importante. Il est présenté dans un cadre contemporain laqué et doré.

Tableau Ancien avec Sujét Sacré Huile sur Toile XVIIe Siècle

Peinture à l'huile sur toile. École de l'Italie du Nord du XVIIe siècle. Le grand tableau présente comme sujet un thème bien connu de l'Ancien Testament, la richesse du roi Salomon, raconté dans le Premier Livre des Rois : « Le roi Salomon surpassa donc, en richesse et en sagesse, tous les rois de la terre. partie de la terre pour s'approcher de Salomon pour écouter la sagesse que Dieu avait placée dans son cœur. Chacun lui apportait, chaque année, des offrandes d'objets en argent et en or, des vêtements, des armes, des épices, des chevaux et des mulets". Dans le tableau, le roi, richement vêtu des symboles de la royauté (la couronne, le sceptre, le manteau d'hermine), écoute debout les postulants qui viennent à lui pour recevoir les conseils dictés par sa proverbiale sagesse, et en échange ils lui apportent des offrandes, à la mesure de leur rôle social : certains agriculteurs apportent en cadeau des sacs de céréales, fruits de leur travail dans les champs, un autre lève haut une coupe, pour attirer l'attention du roi. Les couleurs et le style pictural du tableau font référence à la production de l'Italie du Nord, notamment vénitienne. Le tableau a été restauré et rentoilé.

Tableau Ancien avec Sujét Sacré Huile sur Toile Italie XVIIe Siècle

Disciple de Peter Paul Rubens

Huile sur toile. Le tableau dérive de l'œuvre de Rubens (1577 -1640) conservée au musée du Prado à Madrid, reproduite comme contrepartie dans la gravure de Paulus Pontius (1603 -1658), qui apparaît également dans cette version. Au centre de la scène, à la verticale, se trouve la figure de Marie, dont le visage est inspiré de celui d'Isabel Brandt, la première épouse du peintre flamand, décédée en 1626 à l'âge de 35 ans. La Vierge tient dans ses bras l'Enfant Jésus, qui la regarde tendrement mais gravement dans les yeux, tandis qu'une petite main se pose sur le sein découvert de sa mère, dont il vient d'être nourri ; derrière, debout, sainte Anne entoure les épaules de sa fille et de son petit-fils d'une étreinte tendre et protectrice, en souriant avec complaisance : Sur le côté gauche, un peu à l'écart et dans l'obscurité, Joseph observe, pensif et inquiet : c'est la seule figure humaine qui ne s'intègre pas dans la lumière émanant du visage de l'Enfant, rayonnant sur celui de Marie et, par réflexion, également sur celui de Sainte Anne. Par rapport à l'œuvre du maître, la composition des figures est respectée, mais plusieurs détails varient, notamment dans les vêtements de sainte Anne, de Marie et dans la draperie qui entoure les hanches de l'Enfant, ce qui renforce l'hypothèse qu'il s'agit de l'œuvre d'un suiveur du maître flamand. La peinture, restaurée et reteinte, est en bon état, avec seulement une éraflure dans la couleur en haut au centre.