Tableau Ancien Sujét Historique Huile sur Toile XVIIe-XVIIIe Siècle

Paysage avec Bergers et Troupeaux

Huile sur toile. Signé en bas à droite. Dans un splendide paysage classique, avec des collines verdoyantes surplombant un cours d'eau, un ruisseau au premier plan qui devient ensuite une large rivière au loin, se trouvent les figures d'un berger et d'une bergère emmenant leur troupeau à l'eau. Les scènes pastorales de ce type caractérisent la production de l'artiste hollandais Michiel Carree, peintre de la cour du roi de Prusse dans les premières décennies du XVIIIe siècle. Le tableau, sur première toile, est présenté dans un cadre doré contemporain, en bois sculpté et doré.

Huile sur toile. École romaine de la seconde moitié du XVIIe siècle. La scène raconte un épisode de l'histoire d'amour entre la reine d'Egypte et le triumvir romain Antoine : Cléopâtre, pour démontrer sa richesse et séduire le beau général, organise un somptueux banquet, au cours duquel elle choisit une perle d'une valeur inestimable et il se dissout. le dans du vinaigre, puis en offrant la boisson, considérée comme un puissant aphrodisiaque, à Antonio. Dans le tableau, la reine s'apprête à mettre la perle dans la coupe : le ruban auquel la perle est attachée est particulier, rappelant celui du tableau du même nom de Carlo Maratta (1625 -1713). Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre en bois de la fin du XIXème siècle.

Peinture à l'huile sur toile. Le grand tableau rappelle les méthodes picturales du XVIIe siècle mais est d'une période plus tardive et a été réalisé sur une toile appliquée sur une toile plus ancienne. La scène raconte l'épisode biblique (tiré du Livre des Rois) largement narré en images, représentant le bain de Bethsabée, l'épouse du général Urie, au service du roi David. Selon le récit biblique, David est sur la terrasse de son palais lorsqu'il aperçoit la femme se baignant dans le jardin de sa maison, entourée de ses servantes. Davide tombe amoureux d'elle et la séduit, la rendant enceinte. Pour cacher le crime, il rappelle du front le général Uriah, pour le faire coucher avec sa femme, mais Uriah ne veut pas abandonner ses soldats ; puis David l'envoie combattre en première ligne en espérant qu'il sera tué : cela arrive et David peut épouser Bethsabée, mais il sera puni par Dieu pour l'adultère et l'impiété commis. Le tableau montre le moment où Bethsabée, à peine sortie de la salle de bains, alors qu'elle se reflète dans le miroir tenu par une esclave et entourée d'autres servantes, lit le message que le roi David lui a envoyé ; cette dernière apparaît en haut à droite, donnant sur la terrasse. La scène est dominée par des figures féminines entrelacées les unes dans les autres, dans un enchevêtrement de vêtements et de tissus, et entourées de fleurs du jardin ; au centre se trouve le miroir dans un riche cadre doré. Le tableau présente une tache en bas à droite. Il est présenté dans un cadre doré ancien.

Peinture à l'huile sur toile. École centrale italienne du XVIIe siècle. Dans son style pictural, le tableau rappelle la production d'Angelo Caroselli (1585-1652), artiste baroque romain qui fut peintre, copiste, restaurateur, mais aussi pasticheur et connaisseur d'art, c'est-à-dire créateur de peintures « à la manière de " - dans la "technique"et dans le "style" d'une époque artistique spécifique ou d'un auteur spécifique, voire en assemblant des "parties" tirées de différents tableaux. Initialement caravagesque, Il Caroselli a ensuite développé son propre langage artistique personnel, copié par de nombreux artistes mineurs. Dans cette œuvre se distingue l'expressivité figée et presque exaspérée du personnage, dont l'élégance de la tenue vestimentaire du XVIIe siècle et les traits presque féminins du visage au teint rose contrastent avec la grossièreté de la tête de Goliath, ensanglantée, avec le grand coup de couteau. qui tranche sur la pâleur mortelle. Le tableau a été restauré et regarni, en conservant le cadre en bois d'origine. Il est présenté dans un cadre en bois contemporain.

Peinture à l'huile sur toile. La scène se déroule à proximité d'un camp militaire : devant une tente à gauche un chef d'armée, probablement grec, reçoit les offrandes d'un groupe d'hommes pauvres et en haillons qui se prosternent devant le nouveau maître ; le premier tend des miches de pain, un autre sort quelque chose d'un sac, le troisième montre les blessures de son corps pour demander grâce ; derrière eux, d'autres figures de mendiants s'approchent, formant une ligne éparse sur le chemin qui s'efface au loin sur la droite. Au fond à gauche, la vie dans le camp militaire est trépidante. Le tableau a été restauré et rentoilé.

Disciple de Peter Paul Rubens

Huile sur toile. Le tableau dérive de l'œuvre de Rubens (1577 -1640) conservée au musée du Prado à Madrid, reproduite comme contrepartie dans la gravure de Paulus Pontius (1603 -1658), qui apparaît également dans cette version. Au centre de la scène, à la verticale, se trouve la figure de Marie, dont le visage est inspiré de celui d'Isabel Brandt, la première épouse du peintre flamand, décédée en 1626 à l'âge de 35 ans. La Vierge tient dans ses bras l'Enfant Jésus, qui la regarde tendrement mais gravement dans les yeux, tandis qu'une petite main se pose sur le sein découvert de sa mère, dont il vient d'être nourri ; derrière, debout, sainte Anne entoure les épaules de sa fille et de son petit-fils d'une étreinte tendre et protectrice, en souriant avec complaisance : Sur le côté gauche, un peu à l'écart et dans l'obscurité, Joseph observe, pensif et inquiet : c'est la seule figure humaine qui ne s'intègre pas dans la lumière émanant du visage de l'Enfant, rayonnant sur celui de Marie et, par réflexion, également sur celui de Sainte Anne. Par rapport à l'œuvre du maître, la composition des figures est respectée, mais plusieurs détails varient, notamment dans les vêtements de sainte Anne, de Marie et dans la draperie qui entoure les hanches de l'Enfant, ce qui renforce l'hypothèse qu'il s'agit de l'œuvre d'un suiveur du maître flamand. La peinture, restaurée et reteinte, est en bon état, avec seulement une éraflure dans la couleur en haut au centre.

Huile sur toile. École d'Italie centrale du XVIIe siècle. Cette représentation inhabituelle et particulière présente à gauche les trois personnages de la Sainte Famille, avec Jésus déjà enfant, assis à table et bénissant le simple repas qu'ils s'apprêtent à prendre (composé de fruits et de pain). La scène, un sujet représenté plutôt rarement et habituellement avec un caractère plus sacré en raison de la présence d'anges servant la nourriture à la famille, a ici plutôt la saveur d'une intimité domestique très normale et très simple. D'autre part, tout autour de la Sainte Famille se détache majestueusement un aperçu d'une ville de la Renaissance, avec de hauts bâtiments dotés de loggias et de colonnades, présentés dans un bel effet de perspective qui mène, à l'extrême droite, au mur d'entrée d'une ville richement touffue, probablement Jérusalem. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. XVIIe-XVIIIe siècle École émilienne. Il s'agit d'une copie précoce du célèbre panneau du Corrège, intitulé La Madonna di San Girolamo ou Il Giorno (Notre-Dame de saint Jérôme ou Le Jour), datant d'environ 1528 et aujourd'hui conservé à la Galerie nationale de Parme. Le sujet de la représentation est la présentation par saint Jérôme à Jésus de la traduction de la Bible de l'hébreu au latin populaire, un travail que le saint a réalisé à la demande du pape Damase et qu'il a achevé en se cachant dans la solitude de la grotte de Bethléem. Dans le tableau, le centre de la scène est occupé par Marie, assise avec l'enfant Jésus dans les bras. Autour d'eux, plusieurs personnages sont disposés en demi-cercle. Sur la gauche se tient la puissante figure du vieux Jérôme, qui regarde l'Enfant, le rouleau de traduction à la main, et le lion, son compagnon ermite, accroupi à ses pieds. Sur le même côté, un ange brandit la Bible et s'adresse en souriant à la Vierge à l'Enfant. De l'autre côté se trouve la Madeleine, semi-allongée, embrassant affectueusement le petit pied de l'enfant qui, à son tour, lui caresse les cheveux, dans un geste intime qui souligne le lien intense entre les deux personnages. Derrière Madeleine, un petit ange fronce le nez en reniflant le pot d'onguents de la sainte pénitente. La scène se déroule sous un rideau rouge, ouvert sur un vaste paysage. Le tableau de Corrège a connu un tel succès qu'il en existe de nombreuses copies et répliques antiques, dont celle présentée ici. L'œuvre, restaurée et retouchée, est présentée dans un cadre ancien du même âge.

Huile sur toile. École napolitaine du XVIIe siècle. Une composition de fleurs panachées dans des tons clairs est placée dans un vase, noir comme le fond, sur un socle de marbre, dont on ne distingue que le socle, car il est recouvert d'un tissu également noir, dont on ne distingue que les garnitures dorées disposées de façon à créer un jeu de courbes. Sur les deux côtés du plan se trouvent deux oiseaux, un gros pigeon à gauche tenant dans son bec une petite branche volée à la composition, et un pic à tête rouge à droite. Le long de la marge gauche se trouve un paysage, avec un grand arbre courbé sous un ciel sombre, et une ville à l'arrière-plan. Restauré et retouché, le tableau est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Huile sur cuivre. Ecole flamande du XVIIe siècle. Le tableau, attribué par tradition orale à Frans Francken le jeune (1581 -1642), représente une guérison miraculeuse opérée par Jésus : alors qu'il accompagne ses disciples, il rencontre sur son chemin un malade, probablement atteint de la lèpre, une maladie qui isolement et bannissement de la ville; l'homme invoque le Christ qui accomplit le miracle et le guérit. Le tableau place l'événement sur le bord gauche de la scène, au premier plan, où les personnages habillés selon le style typique de l'époque du Christ se distinguent par leurs couleurs vives ; de plus, le paysage qui remplit le reste de la scène est résolument nordique, avec une rivière pleine d'eau qui coule dans une campagne pleine de végétation, et une ville en arrière-plan sous les sommets des montagnes. La description picturale de la végétation est minutieuse et précise, riche et bien définie dans les détails : le tronc brisé au premier plan, les frondes du grand arbre derrière les personnages, les oiseaux volant haut dans le ciel, les petites fleurs sur le rivage , les nuances de l'eau dans lesquelles se reflètent plantes et nuages ​​sont peintes avec un raffinement pictural typique de la peinture flamande, proche dans le style de celui du grand artiste anversois. La peinture est présentée dans un cadre antique réutilisé.

Copie de Guido Reni

Peinture à l'huile sur toile. L'œuvre est l'une des nombreuses répliques, avec quelques variantes, du célèbre sujet créé par le célèbre peintre bolognais Guido Reni (1574 -1642) et son atelier. La composition, qui voit la Vierge en prière penchée pour adorer l'Enfant endormi, est considérée comme une invention de la brillante veine de Reni, qui, suite au grand succès auprès des collectionneurs de l'époque, fut ensuite reprise par d'autres auteurs du XVIIe siècle. , parmi lesquels se distingue le nom de Giovan Battista Salvi dit "Il Sassoferrato". Les deux variantes les plus célèbres de cette scène fascinante voient la Vierge avec les mains jointes en prière, adoptée par Salvi, ou celle avec les mains sur la poitrine, comme celle-ci, typiquement de Reni. D'autres variantes concernent la position de la tête de l'Enfant Jésus endormi, tournée vers le haut comme dans cette version, plutôt qu'inclinée sur le côté ; enfin les tissus de fond changent. Cependant, l'intensité de la scène ressort également dans cette réplique : elle est occupée transversalement par le corps abandonné au repos de l'enfant, où la nature divine est soumise à l'humaine dans le sommeil ; au-dessus, incliné dans un geste protecteur et en même temps contemplatif, le corps de Marie, qui exprime toute la tendresse maternelle mais aussi, dans le geste des mains, l'adoration du mystère incarné représenté par le petit fils. Les couleurs vives des tissus - l'oreiller sur lequel Jésus est couché, le rideau derrière, les vêtements de la Mère - font ressortir l'éclat des tons chair. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre fin XIXème.