Cuadro Paisaje Forestal

Castillo de Tarasp 1960

Óleo sobre cartón. Firmado y fechado abajo a la derecha. El artista de origen romano Cesare Maggi se consagró como paisajista puntillista, retratando paisajes alpinos de la Engadina y del Valle de Aosta, a menudo animados por la inclusión de figuras y animales. Tras trabar amistad con el pintor Giacomo Grosso en Turín en 1901, se orientó con éxito hacia el género del retrato, dejando de lado la técnica puntillista. Si bien seguía prefiriendo las vistas de alta montaña, amplió sus temas al participar también en paisajes marinos y naturalezas muertas. Aquí está la vista cubierta de nieve del castillo de Tarasp, una fortaleza del siglo XI en la Baja Engadina de Suiza. Se trata de una obra tardía del artista, que, sin embargo, permaneció hasta el final ligado a su tema favorito, el paisaje alpino, a pesar de haber abandonado ya la técnica puntillista de su primera época. La obra se presenta en un marco de época.

San Jorge 1992

Óleo sobre tabla. Firmado abajo a la derecha. El título, la fecha y la ubicación en Bérgamo están escritos en cirílico en el reverso. El artista lituano, que actualmente vive y trabaja entre Moscú, Italia y el Reino Unido, está considerado uno de los artistas rusos contemporáneos más importantes. Su amplia producción incluye paisajes, naturalezas muertas, numerosos retratos de personajes famosos y sus composiciones surrealistas, expresión de su peculiar «visión onírica» de la realidad. También en este panel, aunque al estilo de los iconos tradicionales, la representación del famoso San Jorge se propone en una clave surrealista que recuerda a De Chirico, donde el dragón se sustituye por un ganso, la cabeza del santo es un huevo y a su alrededor hay figuras de magos..... ¡una interpretación claramente heterodoxa! El panel tiene una hendidura vertical. La obra se presenta en un marco.

Óleo sobre lienzo. El cuadro está firmado por Ferruccio Pellizzari, artista no especialmente conocido pero activo ya en los años veinte (como demuestran varios catálogos de exposiciones de arte celebradas en aquellos años). La obra retrata eficazmente a la joven, utilizando pinceladas amplias y matizadas, con contornos apenas esbozados. En un marco contemporáneo.

Playa de Liguria

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. Es un vistazo a la Riviera de Liguria, cerca de una cala, coronada por casas cerca de la costa. Berto Ferrari, nacido y vivido siempre en Liguria, fue un hábil y sensible pintor marino y paisajista de tradición posimpresionista, que pintó las bellezas de la Riviera de Liguria y numerosas vistas del interior de los Apeninos. La pintura tiene gotas de color y rastros de restauración. Está en un marco coetáneo.

Figura Femenina ca. 1950

Témpera sobre papel aplicada al lienzo. Firmado abajo a la derecha. En el reverso figura la etiqueta de la Galería Cadario de Milán, donde se expuso la obra. La obra tiene una autentificación del Archivo Mario Sironi, con el número de archivo 4/25: A lo largo de su carrera, Sironi se adhirió a diversas corrientes artísticas e incluso fundó una junto con otros artistas, como en el caso del movimiento Novecento Italiano. A lo largo de los años, Sironi formó parte del Futurismo, el movimiento vanguardista italiano fundado en 1909 con el famoso manifiesto de Filippo Tommaso Marinetti. Durante un cierto periodo, también se vio influido por la corriente Metafísica, fundada en los años veinte por Giorgio de Chirico, y a partir de los años treinta, su pintura abandonó el claro signo de la primera época del Novecento y pasó por un periodo expresionista, caracterizado por una aproximación a la figura y una pincelada marcada. La figura femenina ha sido siempre la protagonista de las obras de Mario Sironi, representada gradualmente de diferentes maneras, siguiendo la evolución del estilo del artista. Esta figura forma parte de la producción de los años cincuenta, en los que Sironi vivió replegado en sí mismo, evitando el reconocimiento y rechazando incluso las invitaciones a los eventos más prestigiosos; fue un periodo de soledad y depresión que, sin embargo, desde el punto de vista artístico resultó a veces sorprendentemente generativo: a partir de 1942, Sironi volvió a un estilo metafísico de reflexión con obras muy heterogéneas, en las que se alternan tonos nítidos y espátulas sombrías, maniquíes y atmósferas vacías. La obra se presenta en un marco.

El Nacimiento de Venus 1935

Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en la parte inferior izquierda del lienzo. La gran composición consta de tres lienzos separados, el central desarrollado verticalmente (tamaño 220 x 128 cm) y redondeado en el borde superior, los dos lienzos laterales desarrollados horizontalmente y perfilados en las esquinas (tamaño 150 x 328 cm). El lienzo central está dominado por la figura de Venus, que surge desnuda de la espuma del mar, con un brazo levantado para cubrirse los ojos y protegerse de la luz del amanecer; en los dos lienzos laterales, una multitud de tritones, sirenas, ninfas marinas, monstruos marinos, dirigidos por el dios Poseidón, reconocible a la izquierda por el tridente que sostiene, presencian el acontecimiento con asombro y jubiloso júbilo. Las figuras destacan sobre el fondo de mar y cielo, fundidos en un luminoso continuo de gradaciones de color azul, en el que se cuela la luz rosada del amanecer, iluminando la escena. Formado en la escuela de Cesare Tallone, Brignoli aprendió de él el naturalismo derivado de la tradición veneciana, la observación de la naturaleza, la pincelada decisiva, los fuertes contrastes de luz. Por otra parte, tras varios viajes a África, iniciados en 1922, Brignoli se acercó a la pintura orientalista, pero rehuyó las formas de retórica exótica, reviviendo en cambio el nuevo tema con una cuidadosa investigación de los colores y de los efectos lumínicos sobre el paisaje. Esta obra, perteneciente al periodo ya «africano» del artista, está influida por esta impronta en sus elecciones cromáticas brillantes y claras. Por su tamaño y la composición de los tres lienzos, es de gran impacto escenográfico. Procedente de una gran villa de Brescia, donde se exponía en la imponente escalera, probablemente fue concebida y creada específicamente como elemento decorativo a medida. Los lienzos se presentan en marcos dorados contemporáneos, de los que faltan algunas partes.

Escena Pastoral con Santo y Cordero

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. En este gran cuadro, una joven aureolada rodea el cuello de un cordero con una corona de flores; las dos figuras están situadas en un prado lleno de arbustos en flor, que forma parte de una llanura verde que se extiende hasta las cumbres de las montañas lejanas. La muchacha, completamente vestida de rojo, lleva una aureola en la cabeza: este símbolo y la presencia del cordero remiten a Santa Inés, tradicionalmente representada con este animal símbolo de pureza; el rojo del vestido puede indicar el martirio de la joven. Es el entorno paisajístico lo que hace especial e insólita la representación de la santa, que se convierte en el elemento central del gran paisaje. Giovanni Buffa, pintor, escultor y decorador activo en Milán, se dio a conocer sobre todo por sus vidrieras, que realizaba solo o en colaboración con la famosa firma Beltrami & C. - Vetrate artistiche, protagonista casi absoluto de la más breve temporada del Art Nouveau nacional en este sector, se especializó en la ejecución de vidrieras de carácter tanto sagrado como profano. Buffa contribuyó en particular realizando cartones preparatorios para numerosas vidrieras de la catedral de Milán y de otras iglesias nacionales. Su producción pictórica incluye varios retratos de personajes principalmente milaneses, pero también algunas escenas de género en escenarios exteriores, urbanos o naturalistas.

paisaje con figuras

Óleo sobre lienzo aplicado al panel. Firmado abajo a la izquierda. En el reverso hay un cartucho con autenticación pericial fechado en 1944 y firmado por un crítico de arte milanés. En la vasta llanura, verde pero con pocos árboles, que recuerda las llanuras lombardas, dos agricultores trabajan cerca de un estanque, cerca de su granja; Al fondo se vislumbran los picos de la cadena alpina. El tema se inscribe en la fuerte producción naturalista del pintor, que nació en Módena pero creció artísticamente en Milán y sus alrededores, lugares que fueron temas frecuentes de su producción paisajística. La pintura se presenta en un marco de época.

Pintura sobre lienzo. A diferencia de la mayoría de los carteles contemporáneos, éste está pintado a mano y no impreso sobre lienzo. La escena se divide en tres partes, encerradas dentro de un marco pintado con motivos florales y separadas por el diseño de pequeñas columnas. En el centro está representada la Virgen con Jesús en el trono, a los lados dos ángeles con apariencia de niñas. A continuación, el cuadro se enmarca con pasamanería.

Auronzo di Cadore

Óleo sobre lienzo, 1954. Firmado y fechado abajo a la derecha. Más firma y título en el reverso. En un marco dorado contemporáneo.

Hospitalización del Tridente 1916

Óleo sobre cartón. Firmado abajo a la derecha. En el reverso aparece el nombre con el título, que sitúa el pequeño atisbo en Macedonia en 1916, durante la Primera Guerra Mundial. Alfonso Corradi, nacido en Emilia pero formado y luego residido en Milán, fue alumno de ornamentos en la Academia de Brera y durante algunos años se dedicó también a la escenografía. Se especializó en paisaje e inició una carrera expositiva concentrada sobre todo en Milán. El tema propuesto aquí, aunque de naturaleza paisajística, forma parte de una rara producción de una serie de pequeños cuadros, casi bocetos, que se remonta a la Primera Guerra Mundial, en particular a la expedición militar de un cuerpo italiano a Macedonia en 1916. , enviado por el gobierno con el objetivo de contrarrestar las fuerzas austrohúngaras y búlgaras durante la Primera Guerra Mundial y controlar ese territorio. Además, no hay documentación de la participación directa del pintor en esta campaña bélica. El cuadro está enmarcado.