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Óleo sobre lienzo. Escuela veneciana de finales del siglo XVII y principios del XVIII. Dentro de un gran paisaje clásico, rico en vegetación y con una atmósfera rosada, hay un pequeño grupo de soldados: algunos, apoyados en una roca con vistas a un arroyo, observan a uno de ellos que se está bañando, después de haber colocado su armadura en el agua. El cuadro fue presentado en la subasta de Lempertz en 2017 con una atribución a Andrea Locatelli (1695-1741) y una estimación de 7/9 mil euros; Los métodos pictóricos de la obra también parecen más cercanos a los de Marco Ricci (1676-1730), ampliamente retomados por otros autores del área veneciana. Restaurada y reentelada, la pintura se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX.

Paisaje de montaña 1932

Óleo sobre tabla. Firmado y fechado abajo a la izquierda. Intelectual del racionalismo, Bertocchi (conocido sobre todo como el «pintor morandiano») no perteneció a ninguna escuela ni movimiento, sino que fue intérprete de una pintura con acentos marcadamente personales. Ante todo paisajista, Bertocchi se dedicó a un naturalismo delicado y auténtico, teñido de acentos líricos, creando paisajes desde muy joven con una rara sensibilidad cromática y lumínica. El cuadro se presenta en un marco contemporáneo.

Óleo sobre lienzo. Ambientada en un paisaje clásico, rico de vegetación, la escena representa el episodio bíblico extraído del libro del Génesis que narra cómo el pueblo de Israel, que atraviesa el desierto del Sinaí para llegar a la Tierra Prometida, se encuentra sin agua: Moisés invoca la ayuda de Dios y realiza el milagro de hacer brotar agua de una roca. En la escena, el pueblo de Israel se alegra y celebra el milagro, corriendo a bañarse y saciar su sed en el estanque de agua evocado por Moisés, a quien se le puede ver de pie a la izquierda del tronco seco en primer plano, símbolo de la aridez de la tierra. Las ramas de los árboles movidas por un fuerte viento y el cielo lleno de nubes oscuras que comienzan a rasgarse, evocan la presencia de Dios. Las múltiples figuras, representadas con detalles precisos, crean movimiento y acción. Este cuadro ya ha sido presentado en la subasta de Lempertz con una atribución a Giovanni Ghisolfi (1623 -1683), artista que desarrolló una perfecta combinación entre pasado y modernidad, gracias a un profundo interés por el clasicismo, realizado sin embargo con efectiva precisión de perspectiva en el paisaje y gran precisión de detalle en las figuras. Restaurada y reentelada, la pintura se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela francesa del siglo XVII. La escena, ambientada de noche en el jardín de una villa, de la que se puede vislumbrar la ornamentada fachada a la derecha y en la que destaca la fuente de la que brotan angelitos, bajo un cielo oscuro y más oscurecido por densas nubes, propone dos figuras que se entretienen en una conversación: un anciano modestamente vestido reprende con severidad a un joven sentado, ricamente vestido, que en cambio parece hacer el gesto de mea culpa con la mano. La fisonomía y los gestos de los dos personajes, junto con el estilo de la ropa, harían referencia al filósofo Aristóteles que fue llamado a la corte de Macedonia para ser el tutor del joven Alejandro, el futuro rey entonces conocido como Alejandro Magno. : según cuenta Plutarco en sus “Vidas Paralelas”, el joven Alejandro fue un alumno brillante, tanto que también fue iniciado en las más profundas y esotéricas doctrinas aristotélicas, de las que deriva el aura de misterio y profunda interioridad que resplandece. en el trabajo aquí presentado. La pintura ha sido restaurada y revestida. Se presenta en un elegante marco. El cuadro, restaurado

Pintura al óleo sobre lienzo. En la parte superior derecha están el nombre del hombre retratado y su edad, 78 años. El hábito del hombre y la actitud de oración, frente al Crucifijo, con el libro de meditación en la mano, lo identifican como prelado. El apellido Albertoni está muy difundido en Italia, en varias familias que partieron de Lombardía para extenderse a Parma y luego a Roma. La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia de los siglos XVII-XVIII. La obra de carácter devocional, ve a la Virgen, sentada sobre las nubes y asistida por dos ángeles que sujetan sus vestiduras, es venerada por dos santos, arrodillados a sus pies: a la derecha la joven vestida de príncipe, a cuyos pies está descansando una corona real, se refiere a Isabel de Hungría; a la izquierda, el santo que lleva en brazos al Niño Jesús se identifica como San Caetano da Thiene. Particular es el juego de miradas entre los distintos personajes, que se entrelazan junto con las posiciones y los gestos, para crear un movimiento casi circular. La pintura ha sido restaurada y revestida. Se presenta en un marco antiguo restaurado a principios del siglo XX, con varias carencias actuales (por restaurar).

Sin Título 1958

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la derecha. La obra, de fuerte impacto emocional, propone un fondo violeta casi monocromático, en el que se intercalan unos trazos en blanco y negro para definir una silueta acurrucada a la izquierda, quizás una forma humana, recogida y cerrada sobre sí misma. Nacido en 1934 en Viareggio, donde aún vive, el pintor y escultor Mario Francesconi es considerado uno de los pocos supervivientes del dadaísmo, que desde finales de la década de 1950 atraviesa las estaciones del arte italiano y europeo en una búsqueda claramente personal de formas y técnicas. A partir de su primera exposición individual en 1959, desarrolla un camino artístico que pasa por diferentes fases, a menudo atribuibles a una pasión por los materiales pobres y reciclados. Su actividad artística se mueve entre las áreas de la pintura, la escultura, el collage y la instalación y bordea las áreas adyacentes de la poesía y la literatura, también gracias a amistades y relaciones profesionales con algunas de las figuras más significativas del mundo intelectual italiano de la segunda mitad. del siglo pasado, de Emilio Villa a Cesare Garboli, de Leonardo Sciascia a Mario Luzi, de Cesare Zavattini a Pier Paolo Pasolini, de Alfonso Gatto a Sandro Penna a Venturino Venturi. La obra se presenta en un marco.

Tableau doré

Técnica mixta sobre contrachapado (pintura y láminas de papel plateado). Al dorso, auténtico con sello y firma de la hermana del artista. La obra pertenece a la serie Tableaux dorés, obras creadas por el artista milanés Remo Bianco a partir de la década de 1950. Nacido y educado en Milán, Remo Bianco fue alumno de De Pisis, en cuyo estudio frecuentó a los grandes artistas italianos del siglo XX (Carrà, Sironi, Savinio, Soffici, Soldati, Marini, Cantatore). Tras el interludio de la guerra (alistado, hundido con su barco y hecho prisionero en Túnez), retomó su actividad artística en Milán, participando en el Movimiento Nuclear y el Espacialismo, llegando a desligarse por completo de la pintura figurativa para crear obras hechas de pinceladas de puré de patata. A principios de los años cincuenta comenzó a crear obras, pictóricas y escultóricas, con diferentes materiales ya experimentar con diferentes temas y técnicas; a esta producción pertenecen los Tableaux dorés, compuestos por láminas de aluminio plateadas o doradas sobre bases pintadas. La obra se presenta en un marco.